un pò di seo, un pò di facebook, un pò di pazienza nei ritagli di tempo

quasi 60 giorni, 55 articoli postati, 5,847 visite.

grazie di essere passati di qui

arrivederci sul Riformista.it

Stefano

Fenomenologia di Paolo Mieli, figlio di Renato (di Andrea Romano)

Duran, il Robin Banker che ha fregato i banchieri (di Rossana Miranda)

L’altra classe borghesia van cercando (di Marco Ferrante)

Risorge la Tbc e il virus Hiv ne approfitta (di Anna Meldolesi)

Breve storia di un italiano dal 77 a Facebook (di Francesco Bonami)

e le rubriche

Fulvia La Riformata di Fulvio Abbate

La Zona Cieca di Chiara Gamberale

Le strisce di Stefano Disegni

Lacerante come un colpo d’artiglio di una belva ferita è l’ultimo libro di Corrado Stajano, La città degli untori (Garzanti, euro 16,60) dedicato, come molte altre sue fatiche, alla città di Milano anche se, com’è ovvio, le vicende locali tendono a espandersi, a contagiare attraverso l’umus malsano di cui si nutre anche l’intera nazione che al capoluogo lombardo fa riferimento. Diviso in sei capitoli – i primi quattro dedicati all’omicidio del giudice Galli, alla strage di piazza Fontana, al processo agli untori e alla Resistenza milanese, in un ordine dettato forse dal caso, forse da una precisa strategia che accosta i casi fondanti la nostra Repubblica, nata dalla Resistenza, ai due ultimi capitoli legati a vicende più vicine a noi: lo smantellamento delle fabbriche e del tessuto sociale che a esse faceva riferimento (e che era anche tessuto connettivo della metropoli) e gli sbuffi di cipria, le superficiali pennellate di belletto che le ultime amministrazioni comunali hanno regalato alla città, come se la cosmesi d’infima qualità dietro cui nasconde magagne e rughe possa infine giovarle.

Libro amaro, senile, disperante, ma rigoroso e feroce, fondato sul sentimento dell’etica ma anche del buon senso che la città sembra aver smarrito o che appare, in tutti i casi citati, sommerso dal Male, dal Terrore, dal Feroce e persino dall’orribile Banale al quale stiamo cedendo in un sonno della Ragione che Stajano ha il merito d’interrompere con un’impressionante boato nel cuore della notte.
Perché non c’è dubbio che questa che si descrive è notte. Notte che ha attraversato la città nei secoli. Dalla follia dei terroristi di Prima linea – ma com’è stato possibile dar credito d’una pur qualsiasi ideologia a quei farneticanti volantini? – a quella dell’aberrante processo agli untori dove l’Irragionevole è questa volta attecchito nelle istituzioni – si vada, accompagnati dalle pagine di Stajano, in cupo pellegrinaggio al Museo del Castello dov’è conservata la stele che pomposamente celebrava l’iniquissimo processo. L’Irragionevole o piuttosto il Diabolico sembra aver contagiato anche la vicenda di Piazza Fontana, mentre il dato fondante le inquità della Banda Koch sembra appartenere al dominio della Brutalità e dell’Ignoranza.

Stajano passeggia per le vie della città, alza lo sguardo per leggere lapidi commemorative, entra in caffè un tempo ritrovo di terroristi, sbircia dietro le cancellate nei giardini di villette liberty testimoni di inenarrabili scene d’orrore e trae lo spunto per disegnare fulminanti racconti morali che celebrano la persistenza del ricordo ma tuttavia non sembra in alcun modo meno critico con la città d’oggi, teatro indifferente di una restaurazione strisciante, complice l’impoverimento della memoria sottilmente attuato e favorito in questi ultimi anni.
Rappresentate di un giornalismo d’inchiesta e di opinione d’altri tempi, Stajano ci ha regalato un libro d’altissima letteratura, straziante e coinvolgente. Stravolgendo la struttura del racconto, lavora sull’inaspettato, sulle associazioni di pensiero, sull’occasionale ma, con una sapienza narrativa ammirevole, tira le fila di un progetto unitario che, a lettura finita, pone domande al lettore e suscita quel sano sentimento d’indignazione che la letteratura ha dimenticato di dover ricercare.

Una delle ultime immagini del libro è quella dei delegati all’Expo che pochi anni fa giravano per la città in pulmino. Scortati da motociclisti col fischietto, attraversavano vie rese scorrevoli da temporanei divieti di sosta. Li incrociai anch’io, a via Verdi, mentre osservavano perplessi la città fantasma che attraversavano. Le faccine rivolte in alto, al cubo biancastro che sovrasta il palcoscenico della Scala, sfrecciarono via come turisti inclusive tour, più stupiti che ammirati. Dovevano dare un parere favorevole e lo diedero, basandosi su un’immagine inesistente che, alla lunga, dice Stajano e conferma chi abita con senso critico questa città, finirà per coincidere con l’inesistenza stessa nostra e di Milano. Così, in cambio dell’inganno, ci aspetta negli anni a venire anche il baraccone dell’Expo.

A lettura terminata, parlo con l’autore, ma non è un’intervista, per mia imperizia e per la materia debordante del libro che non si lascia incanalare in semplici domande e risposte. Gli argomenti si accavallano anche se domina il colloquio l’ombra di un’occasione mancata e che forse non si ripresenterà. Svanite la borghesia milanese, la classe operaia, la solidarietà di matrice cattolica e sociale. Svanito l’accordo tra borghesia e classe operaia, apparentemente opposte e che invece collaboravano a un unico progetto che si è realizzato nel grande momento della ricostruzione del dopoguerra che non fu soltanto una ricostruzione fisica degli edifici bombardati. E che ritornò a far sentire la sua forza all’epoca delle stragi.

Stajano ricorda la reazione dolorosa e contenuta alla bomba di piazza Fontana, i funerali in duomo, la città a lutto, gli operai che spontaneamente fecero servizio d’ordine. E ricorda che in quelle circostanze anche l’amministrazione di centro sinistra contribuì non poco a dare della città un’immagine solida, immune dal contagio degli untori che sembrano oggi tornati per riappropiarsi delle occasioni che pure, a volte, a cercarle tra le pieghe della storia e tra le nebbie della memoria che si vorrebbe cancellare, la città, per quel che ha dato in passato, potrebbe ancora essere capace di regalare e come il libro, vox clamantis in gurgite vasto, disperatamente ammonisce.

copy by Annamaria testa

Domani su Ombra, la domenica del Riformista

Una questione di Testa (Annamaria) di Tonia Mastrobuoni

Raffaele Fiengo, 40 anni di lotta e di Corriere di Alberto Alfredo Tristano

Al gaio intelletto piace “Amici” e le defilippiche di Luca mastrantonio

Parwin Mushthal, la sventura di essere donna in Afghanistan di Emanuele Giordana

Le memorie di Lanzmann, Dall’olocausto alla de Beauvoir di Guido Vitiello

e le rubriche

Fulvia La Riformata di Fulvio Abbate

La Zona Cieca di Chiara Gamberale

Le strisce di Stefano Disegni

DAVIDE SAPIENZA. Ritorna il romanzo simbolo di un autore snobbato in Italia da Vittorini e bollato negli Usa perché di sinistra. Storia di un marinaio che raggiunge il successo come scrittore ma scopre il fallimento come individuo. Ne parliamo con il curatore.

Sono passati cento anni dalla pubblicazione di Martin Eden, il grande classico della letteratura americana scritto da Jack London, per lungo tempo conosciuto solo come l’autore di Zanna bianca e Il richiamo della foresta, ignorando anche la sua produzione di saggistica (fanta)politica, di reporter, di giornalista (come nella grande tradizione americana dei Twain, Melville, Bierce, cresciuta scrivendo articoli sui quotidiani). Redatto tra l’estate del 1907 e il febbraio del 1908 mentre lo scrittore di San Francisco navigava per i mari tropicali a bordo dello Snark, Martin Eden, l’eponimo protagonista del più autobiografico romanzo di London (insieme a John Barleycorn) venne pubblicato nel 1909, prima in rivista, poi in volume. Torino dedica una tre giorni alla riedizione del testo, in libreria ad aprile per Mondadori, ma anche per riscoprire un personaggio irrequieto, dai mille interessi, che conobbe il successo – solo i diritti d’autore gli fruttavano 75mila dollari l’anno – e il fallimento.

Nel corso della sua turbolenta giovinezza, London fu pirata, «hobo vagabondo, cacciatore di foche e cercatore d’oro», poi divenne marinaio, reporter di guerra, agricoltore e rivoluzionario, utopista socialista e anarchico. In vita tra il 1899 e il 1916 pubblicò circa 1000 racconti, saggi, reportage e 50 libri; viaggiò fino a scoprire il surf alle Hawaii; scrisse persino di boxe; creò un’azienda agricola biologica con 50 dipendenti e fu politicamente impegnato con il partito socialista. Il lavoro della riedizione è stato lungo due anni, «a stretto contatto con docenti in America dove un certo ostracismo verso London dura ancora» come racconta Davide Sapienza, curatore del libro, che prevede un imponente apparato critico di note, e uno degli organizzatori della rassegna.

London attraversa tutto il Novecento americano fino ad essere citato in “Into the wild” di Sean Penn, eppure l’impianto del libro è classico dell’800.

London era uno storyteller, prendeva una storia la manipolava e te la rivendeva. “Io uso molta autobiografia ma non è un’autobiografia quella che stai leggendo” andava ripetendo. Autore profilico, e vorace lettore, aveva degli amici scrittori da cui comprava delle trame, 50 dollari a storia, le usò per una decina di racconti. Martin Eden è un romanzo quasi naturalista, dalla linea narrativa semplice, ma è molto più del romanzo di formazione di un giovane che cerca il successo a tutti i costi. London all’epoca era all’apice della carriera. La sua è una confessione sincera e disillusa del senso di fallimento dell’idea di individualismo.

Un marinaio che cerca un riscatto sociale?

Pescando nella sua biografia, London racconta la storia di un marinaio rozzo, che considera come lo stereotipo ottocentesco del sottoproletariato – così come London appassionato di boxe, vedeva i pugili come diseredati sociali – e che salva la vita del giovane Arthur, di ricca famiglia. Viene accolto in un ambiente diverso, educato a nuove abitudini. Ne nasce un nuovo destino per lui, scrittore nonostante il parere avverso della donna di cui si innamora, la sorella di Arthur. Ma poi Martin scopre che la sfrenata corsa al successo per raggiungere l’affrancamento sociale è un vicolo cieco. Non si diverte più ai balli proletari. Ma neanche nei salotti borghesi dove pensava di godere dell’emancipazione culturale delle persone colte. Il padre di Ruth lo accusa di essere socialista, ma “i veri comunisti siete voi che usate lo stato per i vostri profitti” risponde Martin, che diventa un anarchico travolto dal nichilismo. Rinnegherà la ricchezza, diventerà apatico, regalando soldi anche ai suoi nemici.

La fuga nei mari nel Sud si conclude tragicamente. Addirittura un suicidio. Ma nella vita London voleva essere un farmer, un agricoltore.

Sì, per questo il finale di Martin Eden è ancora più tragico. Il romanzo è una dura condanna dell’invididualismo, quando raggiunge il successo, capisce che non gli interessa più nulla. L’anno prima dell’uscita del libro si era ritirato dal partito socialista. Aveva capito già il moderno massacro industrializzato della prima guerra mondiale perchè era stato inviato nella guerra russo giapponese. Martin Eden vuole andare in un’isola dei mari del Sud, dove pure erano arrivati per lo stesso motivo Gauguin, Melville, Stevenson: uno stile di vita più semplice e più vero. Mentre scrive il libro, il suo Grand Nord è il mare del Sud, ed è convinto di poterlo raggiungere. Già nel 1908 vive sulla collina. La città gli appare corrotta: lascia San Francisco, gli dicono, il tuo posto è il mare. Quando guardava alla natura spietata dei racconti del Grande Nord, era già junghiano senza sapere di Jung, lo scopre solo 5 mesi prima di morire. Erano coetanei. Leggeva molto prima di scrivere, era anche un polemico razionalista, e ribatteva colpo su colpo come nella lettera al San Francisco Bullettin per il sermone di un prete che lo aveva attaccato (contenuta nella nuova edizione, ndr). Il suo vero padre era uno spiritista e non l’ha mai conosciuto, ma da lui ereditò una sensibilità particolare. Con gli scritti sulla metempsicosi, ripubblicati da Adelphi con il titolo Il vagabondo delle stelle , Jack London riuscì a far cambiare il sistema carcerario di San Quentino. Il padre adottivo John invece era un uomo molto mite, che però aveva il pollice verde.

Il London politico non è solo “Martin Eden”, ma anche “Il tallone di ferro” e la raccolta “Rivoluzione”, riedita di recente da Mattioli 1885.

Martin Eden venne utilizzato però per attaccarlo: aveva successo ed era socialista. Ma i suoi soldi li utilizzava per fare acquisti per la sua fattoria. Già con il Tallone di ferro, gli dissero «attento che vai in galera». La storia di un finto manoscritto ritrovato interrotto con finte note, tutto ambientato nel 2100. Libro di cui non esistono neppure i diritti. Tra l’altro, l’anno scorso nel centenario non si è fatto nulla. Uscì per Feltrinelli nel 1982, con una terribile prefazione di Fofi. Ma anche la Valle della Luna e Burning Daylight, sono a loro modo politici. “Impariamo di cinesi, hanno un sistema agricolo che funziona da 4mila anni. Noi americani siamo venuti alla frontiera, distruggendo e sfruttando, per poi cercare nuove frontiere”.

Quanta influenza ha avuto London nella letteratura americana?

La produzione di Hemingway e dei suoi nipoti deve molto a London. Anche lui ha scritto On the road, ma nel 1907, da vero disgraziato non da figlio della borghesia scontenta. Il successo duraturo l’ha avuto, ma non negli ambienti letterari. Anche in Italia ha scontato una lettura troppo ideologica e molta superficialità. Gli si rimprovera un “peccato di ingenuità ideologica”, fin dai tempi di Americana di Vittorini. La sua formazione non ha giocato a suo favore.Gli è stato detto di ritirarsi dalla sua università, per molti professori era “il barbone con le mani grosse e le scarpe stracce”. Aveva letto Spencer, il Capitale di Marx ma anche molti libri di Nietzsche. La sua fortuna in America rinasce negli anni 60. Aveva addosso questo marchio ”infamante” di essere socialista. La prima biografia del 1936 di Irving Stone fece solo danni.

Come le quarte di copertina che scrivevano del suicidio di London.

London non si è suicidato. Ha avuto una vita larged than life, ma è morto di uremia, una disfunzione renale. Disse che le donne rappresentavano l’unica salvezza umana dall’alcolismo degli uomini e Lo accusarono di sessismo, ma ma le sue più grandi studiose sono donne. La stessa sua lettura di Nietzsche fu male interpretata. Ma fu un grande in tutto: alle Hawaii scoprì il surf, così come ricevette l’ammirazione di Conrad.

«La televisione non è il posto giusto per argomentare bene, sono contento di poterlo fare qui» inizia con un autogol lo scontro Baricco-Scalfari andato in scena ieri non a caso, all’interno di «un teatro privato che più privato non si può», il Teatro Eliseo di Roma diretto dal giustamente orgoglioso Monaci che coordina l’incontro. Il tema è infatti lo stesso sollevato dagli articoli dello scrittore apparsi su Repubblica e supportati da chi quel giornale ha fondato più di vent’anni fa: i finanziamenti pubblici alla cultura, finanziamenti che Baricco preferirebbe fossero indirizzati alla scuola e alla televisione a sua detta vera formatrice di pubblico, la stessa dove però non si può argomentare di temi come questi «perché il tempo è poco». Articoli che hanno sollevato una vera insurrezione nel mondo della cultura e, in particolare del teatro, reo secondo l’autore di Seta di essere dominato da un «sistema bulgaro» che determina «una temperatura culturale bassa».

«Un sistema in crisi non perché non ha soldi ma perché non funziona» come ha ribadito ieri. Ma l’Eliseo, come ricorda Scalfari, è anche il luogo che ospitò le prime riunioni del Mondo giornale storico per «l’elite politica che però non vendeva più di 15.000 copie» niente a che vedere con la televisione la cui informazione «è sicuramente meno importante di quella della carta stampata». Insomma quello del giornalista è un sostegno al «70 per cento alle opinioni di Baricco con una riserva del 30 per cento», una piccola percentuale che però contiene un mondo. Per l’esattezza il mondo della cultura. Che succede infatti se si affida completamente il teatro al mercato tralasciando quel patrimonio di testi che non attirano la massa e pertanto non riescono a circolare? Gli stessi testi che, ricorda Scalfari «Strehler e Paolo Grassi mettevano in scena al Piccolo di Milano nei primi anni con poche centinaia di spettatori?».

Il riferimento è a Brecht e la preoccupazione riguarda quella «minoranza che ha diritto che gli sia fornita una certa cultura che il privato non fornisce perché magari non ci guadagna», e poi arriva la stoccata «come Mozart, quando lo si fa bisogna farlo fino in fondo, sono inutili tutte quelle riduzioni per renderlo accessibile al grande pubblico» e il riferimento, palese, è alle opere teatrali dello scrittore che scompone e ricompone, a piacimento opere monumentali da Omero a Moby Dick. Insomma a poco a poco Scalfari smonta tutte le tesi dello scrittore: inutile portare l’esempio del cinema che supportato da finanziamenti pubblici vivrebbe però di vita propria, «il cinema esiste da sessant’anni. Il teatro di prosa e lirico hanno secoli alle spalle». A questo punto lo scontro diventa non più tra tv e teatro, musica contemporanea e classica, ma tra La matassa di Ficarra e Picone, film con grandi incassi al botteghino, e il raffinato Gran Torino firmato Clint Eastwood che sicuramente di incassi ne fa molti meno, del resto «Io sull’intelligenza di massa non sono scettico ma non può avvenire tutta insieme».

Ma il vero mostro sono gli enti pubblici e a questo punto interviene l’Autorità garante della concorrenza e del mercato nella persona di Antonio Pilati che parla di «competizione alla pari», «distorsione delle regole del mercato», di direttive europee. Al primo posto Roma con aiuti troppo mirati «tante produzioni che hanno cospicui finanziamenti non rientrano propriamente nella categoria del patrimonio culturale».

Un problema di ridistribuzione del reddito e della ricchezza certamente, come sottolineato dallo stesso Baricco, ma a pagarne le conseguenze sono le tante realtà indipendenti che vivono di scarsissimi finanziamenti pubblici e che di sponsor privati non vedono neanche l’ombra, quelle stesse realtà che sabato scorso si sono riunite al cinema Farnese di Roma per dialogare con i rappresentati degli enti locali cui chiedono di garantirgli la sopravvivenza perché «è un po’ complicato trovare un finanziamento privato per un laboratorio di danza contemporanea a Velletri» come ha sottolineato un’operatrice culturale. Operazioni rese praticamente impossibili dai troppi tagli alla cultura come gli 831mila euro tagliati ieri in consiglio comunale che avrebbero dovuto essere destinati all’apertura di un teatro cavea a Corviale, progetto sbandierato dall’assessore Croppi proprio durante l’incontro di sabato. Come ha sottolineato Scalfari «bisogna aspettare secoli perché chi legge i fumetti passi a Shakespeare. Tu non vuoi aspettare che passino i secoli, ma sei costretto». Tutta una questione di tempi.

Per un pelo Clive Owen non è diventato il nuovo 007 al posto del rude Daniel Craig. Ma si sta rifacendo. In “Duplicity” è uno spione del britannico MI6; in questo “The International” è un agente dell’Interpol alle prese con una banca coinvolta in un losco traffico di armi e soldi riciclati. Nella finzione si chiama Ibbc, nella realtà era la famigerata Bcci. La pubblicità recita: «Hanno i vostri soldi, decidono della vostra vita, controllano ogni cosa. Ma c’è un uomo su cui non hanno potere». Appunto Louis Salinger, più stazzonato e “umano” di Bond, ma altrettanto determinato. Alla maniera dei thriller anni Settanta, con una punta adrenalinica in stile “Jason Bourne”, il film del tedesco Tom Tykwer ricostruisce l’insidiosa indagine, zompando da una città all’altra: Berlino, Lione, Milano, New York, Istanbul… Il tono è da denuncia, con finale pessimista nonostante la mezza vittoria, e intanto abbiamo capito che l’interesse di certe banche consiste nel controllare, distribuendo armi leggere o sofisticate, il debito generato dai conflitti nei Paesi in via di sviluppo. Spalleggiato da una procuratrice distrettuale americana (Naomi Watts), Salinger insegue piste finanziarie e killer patentati, rassegnandosi infine a uscire dalle regole per fare giustizia. Spettacolare la sparatoria dentro il Guggenheim Museum ridotto a un colabrodo. Luca Barbareschi è un politico italiano, un po’ alla Berlusconi, che schiatta quasi subito. Br e carabinieri sono da macchietta: rassegniamoci, ci vedonocosì.

VOTO 6,5

THE INTERNATIONAL
Tom Tykwer

Per “Ponyo sulla scogliera” l’aggettivo più usato è «incantevole». Attorno al giapponese Hayao Miyazaki, maestro di animazione, per alcuni poeta tout court, esiste un culto cinefilo alimentato da film come “La città incantata” o “Il castello errante di Howl”. Nel confronto, “Ponyo” può risultare più infantile, quasi una vacanza, ma tutto dipende, ovviamente, dallo sguardo di chi vede: e chissà che i bambini non vedano meglio. Liberamente ispirata a “La sirenetta” di Andersen, la cine-fiaba racconta la struggente storia di una pesciolina dai capelli rossi, il cui vero nome è Brunilde, che si ribella al padre Fujimoto, uno stregone-ittiologo pazzo, e per amore di un ragazzino decide di farsi bambina. Salvata dai flutti durante un’emersione arrischiata, finisce nel secchiello di Sosuke, custodita, osservata, ribattezzata appunto Ponyo. Ma il pericolo è in agguato. Lo “strappo” di Ponyo genera l’ira del mare, cioè del padre furente, che si traduce in un travolgente tsunami, un’onda gigantesca sulla quale l’ibrida creaturina corre veloce per evitare la tragedia. Le canzoni, tradotte in italiano, sono accettabili, e non sorprende che i personaggi abbiano tratti un po’ all’occidentale, come accade nei cartoon nipponici rivolti al mercato internazionale. Tuttavia la forza del film sta altrove: nel disegno di un mondo sottomarino (non solo) dove si mischiano mitologie e paure, riferimenti alla grande pittura giapponese (Hokusai) e fantasie disneyane, risonanze psicoanalitiche e abili sincretismi.

VOTO 8

PONYO SULLA SCOGLIERA
Hayao Miyazaki

Lui, presidente dell’Arcigay locale, chiede «modernità, diversità, tolleranza» e cita Freddie Mercury; lei, la “furia centrista”, difende «valori, famiglia, tradizioni» e cita De Gasperi. Insieme, sotto le insegne dell’Unione democratica, provano a battere il ruspante sindaco leghista in una quieta città del Nordest. Non succederà, almeno per ora. Piace alla comunità gay e non dispiace alla Cei (tramite valutazione pastorale), “Diverso da chi?”, commedia permissiva di Umberto Carteni, scritta da Fabio Bonifacci, costruita attorno al trio Luca Argentero, Claudia Gerini e Filippo Nigro. La storia. Per uno scherzo del destino, alle primarie il prof Bonutti, regolarmente fidanzato col critico gastronomico Remo, si ritrova candidato sindaco tra i pregiudizi degli avversari e lo sgomento dello stesso Pd. Nel tentativo di scongiurare l’ennesima batosta, i due cinici funzionari di partito piazzano accanto al gay una cattolica tutta d’un pezzo, contraria perfino al divorzio. Sulle prime si detestano, ma poi, presi da improvvisa passione, finiscono a letto con esiti sconvolgenti per entrambi. Tranquilli, Luca (Argentero) era gay e tale resta alla fine del film. Nessuno guarisce, però qualcosa cambierà nella vita dei tre, e ci fermiamo qui. Da “Baby Love” a “Un altro pianeta”, per dire due film recenti, il gay con sbandata etero non è una novità. Ma “Diverso da chi?” è divertente nel gioco degli equivoci, ben scritto, appena prevedibile. Battuta clou: «In politica, amore e vestiti mai dire mai».

VOTO 7,5

DIVERSO DA CHI?
Umberto Carteni

Pierre Bonnard, model in back light

Pierre Bonnard è nato troppo tardi per essere un Impressionista e troppo presto per essere un Cubista. Non essere sincronizzato con questi due movimenti della storia dell’arte è stata forse la sua più grande fortuna, gli ha consentito di non essere divorato da un “ismo” qualsiasi, finendo succube di Monet o ancor peggio di Picasso. Bonnard ha lavorato quindi in santa pace senza diventare un gigante, ma rimanendo in perfetto equilibrio con la storia e il suo tempo. Una sorta di Cartier Bresson della pittura capace di cogliere l’attimo sulla tela e farlo diventare un momento eternamente e quotidianamente universale. Nella sua pittura, in particolare quella tarda, non c’è nessuna leziosità, nessuna indulgenza all’inutile dettaglio, ma sempre la concentrazione sull’atmosfera e lo spirito dello spazio in armonia con le persone. Bonnard è un Gauguin di campagna, la sua Tahiti era Le Cannet sulla riviera francese. Il suo sguardo spesso è angolare, mai veramente centrale, come se stesse sbirciando la realtà che lo circonda. Un maestro del poco, da riscoprire in un epoca devastata dal troppo.

VOTO 10

PIERRE BONNARD
The late interiors
Metropolitan Museum – New York
fino al 19 Aprile 2009

La morte è una cosa normale, si potrebbe dire guardando il lavoro di Shirana Shahbazi, iraniana trapiantata a Zurigo. Aggrappandosi al luogo comune data l’origine dell’artista, si può anche pensare che è logico che un’iraniana parli di morte. Invece Shahbazi affronta il tema dalla parte occidentale, quella dove è la natura ad essere morta e non la morte ad essere naturale. Il gioco visivamente potente è intellettualmente sottile. I grandi dipinti eseguiti da due pittori di cartelloni stradali di Teheran sono a metà fra una pubblicità demodè e l’ingrandimento delle grandi nature morte olandesi del ‘600. L’artista s’inventa la cultura di un barocco islamico mai esistito che decide di sfidare l’iconoclastia musulmana. Ai dipinti per spiazzare ancora di più lo spettatore si aggiungono fotografie di altre nature morte e foto in bianco e nero di paesaggi altrettanto carichi e densi. Senza accorgersene abbiamo iniziato a viaggiare senza capire più dove stiamo andando. A est ? A ovest? A nord? A sud? Boh? L’importante è rimanere a galla e l’arte di questa artista è un ottimo salvagente.

VOTO 8
SHIRANA SHAHBAZI
Shirana Shahbazi
Cardi Black Box – Milano
fino al 4 Aprile 2009

Marco Cingolani fra gli artisti di quel girone infernale che sarà il Padiglione Italiota alla Biennale di Venezia è sicuramente il migliore. Ci fosse solo lui non avremmo nulla da ridire. Il suo di problema invece, come molti pittori nostrani, è quello di essere bulimico. Dove potrebbero bastare dieci quadri, lui ne mette almeno il doppio rovinando la frittata. La sua religiosa passione per la pittura è tale da non consentirgli di essere selettivo con se stesso. Il suo poetico umorismo lo tiene in vita, così come fa sopravvivere i dipinti migliori. Parla di santi e madonne come un apostolo ubriaco. Dipinge come se fosse un Mario Schifano caduto sulla via di Damasco passando dalla siringa al fiasco. Alcune tele sono delle vere apparizioni trascinate per terra da tanti piccoli quadretti minori, come bambini che chiedono l’elemosina soffocando anche la generosità dei meglio intenzionati. Cingolani è un pittore italiano e di questo è giustamente fiero. Non sa, però, che se riuscisse a liberarsi dalla marmaglia potrebbe senza problemi essere anche un artista mondiale.

VOTO 6,5

MARCO CINGOLANI
Percorsi della Fede
Boxart – Verona
fino al 30 aprile 2009

Più che in ogni altra città italiana, a Napoli la distinzione tra giornalisti ha sempre avuto il peso drammatico e gerarchico di quello delle caste indiane. Professionisti, pubblicisti, abusivi. Quando Giancarlo Siani venne ucciso sotto casa sua la sera del 23 settembre 1985, alle dieci meno venti, un settimanale locale dapprima titolò, nella prima edizione, «Giornalista pubblicista ucciso sotto casa», poi nella seconda cambiò: «Cronista ucciso sotto casa». La mentalità da casta, appunto, impedì di definire Siani come giornalista e basta. Perché non era professionista. Aveva ancora il tesserino, allora verde, di pubblicista. E per giunta faceva l’abusivo. Al Mattino di Pasquale Nonno, negli anni in cui il direttore del quotidiano veniva scelto dal segretario nazionale della Democrazia cristiana. Insomma un paria dell’informazione, anche da morto ammazzato.

Ha ragione Antonio Franchini quando nell’Abusivo, dedicato proprio alla storia di Siani, suo coetaneo, scrive: «Allora pensavo che non è vero che nascere da una parte o dall’altra è indifferente, perché se non fosse nato a Napoli Giancarlo avrebbe fatto sì l’abusivo, ma per un periodo più breve, e non sarebbe morto. Fino a che non avevo scritto una riga di questa storia non mi ero mai posto il problema se fossi stato amico di Giancarlo; ma, quando ho cominciato, il suo nome facevo fatica anche solo a scriverlo, quasi mi sentissi colpevole di un’appropriazione indebita». È atrocemente vero. Soprattutto per chi è nato in Campania e fa il giornalista. Forse anche per questo il nome di Siani è stato dimenticato per due decenni. Non solo per sciatteria o fastidio o superficialità, a seconda dei casi. Ma paradossalmente anche per pudore e timore. A Napoli e provincia, il suo omicidio è uno spartiacque, e ha segnato chiunque, facendo questo lavoro, gli è sopravvissuto. Giancarlo Siani è stato il primo e unico giornalista ucciso dalla camorra. Abitava a Napoli ma scriveva da Torre Annunziata, ai piedi dello Sterminator Vesevo. Aveva ventisei anni.

Oggi la storia di Siani è diventata un film di Marco Risi, che lo ha dedicato al padre Dino. S’intitola Fortapàsc, il film. Contrazione in dialetto napoletano di Forte Apache. Fu lo stesso Siani a usare questa metafora per Torre Annunziata. Accadde dopo la strage di Sant’Alessandro, la più sanguinosa delle mafie italiane. Era domenica ed era agosto. Il ventisei. Dalla confinante Pompei, roccaforte del boss Ferdinando Cesarano, partì un bus turistico con a bordo quattordici camorristi armati e incappucciati. Arrivarono al Circolo dei pescatori di Torre, controllato dalla cosca di Valentino Gionta, il ras del Quadrilatero, e fecero fuoco. Otto morti e altrettanti feriti. La strage è una delle scene più spettacolari del film di Risi. Una sequenza di sangue e spari che termina con l’angosciante senso d’impotenza del capitano dei carabinieri Gabriele Sensales, amico di Siani: «Questi fanno la guerra, noi prendiamo solo i morti».

Negli anni ottanta, Torre Annunziata era il Vietnam della camorra. Dal punto di vista politico, invece, era una fogna a cielo aperto con vista sull’arco del golfo che va da Ischia a Capri. Comandavano i socialisti, tutti corrotti. L’allora sindaco craxiano fu assolto dall’accusa di essere il mandante dell’omicidio Siani, ma non da quella per associazione a delinquere. I miliardi di lire per la ricostruzione dopo il terremoto del 1980 in Campania contribuirono a traghettare i clan dalla fase del contrabbando di sigarette a una gestione manageriale di appalti, cantieri, tangenti e voti di scambio. Il contesto era terrificante. In provincia di Napoli, la camorra combatteva la sua seconda guerra interna. Nella prima, un cartello eterogeneo di famiglie aveva sconfitto la Nuova camorra organizzata (Nco) di Raffaele Cutolo. Poi il cartello si spaccò e mise contro le cosche vincenti. Da un lato i Nuvoletta di Marano (nella cui masseria vennero ritrovati alcuni biglietti del ministro dc Antonio Gava), i Gionta di Torre e i D’Alessandro di Castellammare di Stabia. Dall’altro i casalesi di Bardellino e la Nuova famiglia di Carmine Alfieri, Pasquale Galasso e Cesarano.

Giancarlo Siani si muoveva tra Napoli e Torre con la sua Citroen Mehari di colore verde. Per il film, Risi è riuscito a trovare quella vera, dove Siani fu raggiunto dai killer appostati da due ore sotto casa sua, al Vomero, quartiere residenziale della città. In Fortàpasc, il giornalista ha la faccia di Libero De Rienzo, mentre Massimiliano Gallo è Valentino Gionta ed Ennio Fantastichini fa il sindaco socialista coi baffi dell’epoca. De Rienzo si è calato nel ruolo di Siani in modo impressionante, soprattutto fisicamente. Ossia un ragazzo di ventisei anni che aveva i suoi casini di donne e di lavoro. La differenza tra lui e Roberto Saviano, lo scrittore di Gomorra, sta nell’inconsapevolezza. Nel senso che il giornalista del Mattino non pensava affatto di essere ammazzato per quello che scriveva. Siani era corrispondente da Torre Annunziata e la sua morte fu ordinata da Nuvoletta a Gionta con la benedizione dell’alleato siciliano Totò Riina. Per saperlo ci sono voluti due lustri e un pubblico ministero di nome Armando D’Alterio.

Era il 1995. Il processo di primo grado stabilì che a Siani fu fatale un articolo sul Mattino il 10 giugno 1985, quasi un anno dopo la strage di Sant’Alessandro. I clan rivali avrebbero tentato di fare la pace. Scrive Siani: «Un accordo tra Bardellino e Nuvoletta avrebbe avuto come prezzo da pagare l’eliminazione del boss di Torre Annunziata e una nuova distribuzione dei grossi interessi economici dell’area vesuviana. Con la cattura di Valentino Gionta salgono a ventotto i presunti camorristi del clan arrestati da carabinieri e polizia dopo la strage. Ancora latitanti il fratello del boss, Ernesto Gionta e Pasquale Donnarumma, il suocero». In pratica, i Nuvoletta non tollerarono il sospetto di essere additati come infami: Gionta, infatti, finì in manette mentre era latitante in una loro proprietà. Siani fu fatto fuori tre mesi dopo la pubblicazione del pezzo, quand’era già stato spostato, da abusivo in attesa di assunzione, alla redazione di Napoli del Mattino. Nel film, scritto da Jim Carrington e Andrea Purgatori con lo stesso Risi e la collaborazione di Maurizio Cerino, l’ultima sera del giornalista si snoda sulle note di Vasco Rossi: quella sera voleva andare con la fidanzata a un concerto del rocker di Zocca, ma era rimasto senza biglietti.

Siani era impegnato politicamente a sinistra ed era pacifista. Scriveva anche per l’Osservatorio sulla camorra del sociologo Amato Lamberti. Nella ricostruzione cinematografica si ipotizza un altro movente, spuntato nel corso degli anni: in contatto con Lamberti, Siani era in procinto di far uscire un esplosivo dossier sugli affari sporchi di Torre. La pellicola sembra quasi tratteggiare un santino dello stesso Lamberti, professore senza macchia e senza peccato che però quando è passato alla politica, da presidente della Provincia di Napoli in quota Verdi, è stato parte integrante del discutibile sistema di potere bassoliniano. Ma questa è un’altra storia. Nel film, invece, manca del tutto il clima ambiguo che si respirava all’epoca nel quotidiano di Nonno, agiografo della famiglia Gava con una memorabile serie di articoli dedicati alle carriere politiche del padre Silvio e del figlio Antonio. Al punto che gli inquirenti hanno pure sospettato che la telefonata che “vendette” l’abusivo Siani ai sicari fosse partita dall’interno della redazione. Senza contare, poi, che il giornale cavalcò per mesi una falsa pista della procura di Napoli che fece incarcerare un innocente, Giorgio Rubolino.

Sul rapporto tra Siani e il Mattino, l’unica scena significativa del film è un dialogo tra Siani e il suo caporedattore di Torre. I due sono su una spiaggia. Alle loro spalle ci sono il Vesuvio e alcuni ruderi industriali. Davanti il mare. I due camminano e il cinquantenne Sasà, interpretato da Ernesto Mahieux, spiega al ragazzo che esistono due categorie di cronisti: gli impiegati e i giornalisti-giornalisti. I primi sono quelli che non danno fastidio e tengono conto della pericolosità del contesto. La frase finale è questa: «Giancà, ‘e nutizie song ruttur’ ‘e cazzo». «Giancarlo, le notizie sono rotture di cazzo».

Che voto dareste a un libro fanatico, reazionario, oscurantista, apocalittico, da cui – vi piaccia o non vi piaccia – riuscite a capire molte cose? Un tre, per pulirci la coscienza, oppure un dieci, costretti ad ammettere che si tratta di un’allarmante, chiarissima testimonianza dei tempi che corrono? Optiamo per un compromesso: gli diamo un votaccio, ma siamo davanti al caso raro di un libro pessimo che invitiamo a leggere. Perché ignorare Padre Livio significa non avere chiaro qualcosa di grosso, di vero che sta succedendo in Italia. L’uomo che è stato capace di trasformare Radio Maria – prima minuscola emittente locale – in un network di culto, in qualsiasi senso, torna a parlare con questo “L’ora di Satana” (Piemme). Stringendo: le forze della massoneria e del pensiero liberale e gnostico, altrimenti dette il Diavolo, stanno sprofondando la Terra a un passo dalla fine dei Tempi. Per Grazia di Dio, la Vergine Maria ci ha donato, attraverso recenti apparizioni a veggenti, le armi del Sacro con cui contrastare la dissoluzione. E se l’Anticristo sta trionfando, presto, prestissimo, l’Apocalisse vi porrà rimedio. Profezie, complottismo e tradizione, scagliate contro i grandi mali quali il parlamentarismo, il libero pensiero, l’illuminismo, la modernità. È una corrente che la Chiesa ha conosciuto da vicino tra l’Ottocento e il Novecento. Oggi però i predicatori contano su qualche ripetitore in più.

VOTO 3

L’ORA DI SATANA
Padre Livio Fanzaga

La rivolta viene dal basso. Il che è un bel problema, se il basso non c’è. E senza un sopra e senza un sotto, si può comunque sovvertire? Ci si può alzare sulla massa, insomma possiamo riuscire a sognare, se siamo piatti in un mondo piatto? Ogni risposta sta in “Flatlandia”, capolavoro «a più dimensioni» di Edwin A. Abbott, uscito a firma di «un Quadrato» centoventicinque anni fa: in assoluto il più delizioso manuale di anticonformismo, geometria, fisica e gioia di vivere dell’ultimo Ottocento inglese. Vecchio gioiello del catalogo Adelphi, oggi è riedito in una nuova traduzione presso Bollati Boringhieri assieme ad un film di Michele Emmer. Un romanzetto iperspaziale che sa di racconto filosofico e insieme di favola di Esopo. Nelle avventure di un poligono, borghese ribelle in un mondo a due dimensioni popolato da figure geometriche (e che per caso scoprirà la sfera, l’altezza e il sapere), in fondo troviamo la parabola di ogni diverso. Sono le pene e le vittorie di chi sa intuire che alle volte è tutta questione di punti di vista, e che il vero limite non è che il nostro angolo di osservazione. Sono le peripezie di un viaggio in cui la terza dimensione non è che una tappa trascurabile: chiudiamo il libro e siamo pronti a immaginare altri universi ancora invisibili, estesi in altre dimensioni, e a mettere in forse le ottiche cieche delle nostre certezze. A chi non è piatto, uno Spazio non basta.

VOTO 8

FLATLANDIA
Edwin A. Abbott

Cosa aspettarci da uno scrittore esordiente? Che abbia più forza che certezze, che abbia una voce originale, e quantomeno che mostri le spore di un’ideuzza di letteratura in fasce. E dunque coraggio, originalità, e un padre stilistico da venerare e da distruggere. Un esordiente così c’è, e sulle critiche che scrive, i corti, i racconti, le regie teatrali, si firma da anni Ade Zeno, uno pseudonimo a metà tra l’ombra sulfurea e l’ironia novecentesca. Per No Replay, piccola casa editrice che ha già ospitato autori importanti, è appena uscito in libreria un romanzo breve, “Argomenti per l’inferno”, serrato come una commedia e immobile come un’ossessione, che finalmente ci rivela il talento espressivo di un nuovo autore di nemmeno trent’anni. I padri spirituali potrebbero essere sia Kafka che Beckett, ma è proprio su un padre che è anche incentrato questo dialogo grottesco, tessuto sui toni della claustrofobia, della follia e dell’assurdo domestico. Un figlio malato e un genitore che ha deciso «di consumare la propria esistenza» occupandosi di lui sono gli attori di un dramma fulmineo che potrebbe essere una spietata dichiarazione di odio quanto la rappresentazione del più profondo amore filiale. Il risultato è un quadro dalle tinte forti, un piccolo incubo espressionista che Ade Zeno riesce a reggere con uno stile graffiante, ma equilibratissimo. Un buon inizio, inusuale, sicuramente da tenere d’occhio.

VOTO 7

ARGOMENTI PER L’INFERNO
Ade Zeno

]]> http://tritone52.wordpress.com/2009/03/26/scaffale-aperto-buonanno/feed/ 0 barberini52